In 2014, the figure of Marek emerged as a series of acrylic portraits defined by the deliberate absence of eyes. The eyes, often seen as “windows to the soul,” were conspicuously missing from each piece, leaving Marek with an air of mystery and ambiguity. This decision was not accidental. I wanted to capture a sense of detachment and emptiness I felt around me at that time. People, to me, appeared like hollow shells, separated from a connection to themselves and others. Marek reflected this state—a figure without the usual markers of life, existing in a kind of liminal space between presence and absence.
But Marek was more than just a symbol of despair or isolation. His lack of eyes hinted at something deeper: a search for meaning, a journey toward inner healing, and a glimpse at a form of beauty that transcends the visible. From the start, Marek was never intended to be a finished, “perfect” creation. His asymmetrical features, cubist nose and mouth, and, of course, his empty eye sockets made him a reminder of human imperfection. Marek was an incomplete being, a figure on a continuous journey. In this way, he became an emblem of the human condition, marked by incompletion and perpetual evolution.
In 2021, as the world adapted to life during the COVID-19 pandemic, I found myself compelled to revisit Marek. The isolation of lockdowns led me to rethink my artistic approach and experiment with digital tools more extensively. Using 3D software, I began sculpting Marek in a virtual space, giving his form a new, digital dimension. Working in a 3D environment opened a world of freedom where physical limitations no longer existed. In this “god-like” space, everything was possible, and yet this freedom often felt paradoxically empty. In the limitless digital environment, Marek’s lack of physicality seemed to mirror the broader sense of isolation and distance permeating daily life.
Through 3D rendering, Marek took on a new life. Different digital versions emerged under varying lights and perspectives, each iteration adding another facet to his journey. Yet, these digital creations were more like stages in Marek’s life rather than transformative rebirths. They were markers on his path but didn’t feel like fundamental shifts. This phase highlighted the tension between analog and digital worlds, but it remained just that—a phase, a temporary place where Marek could grow but not yet transform.
It was only with the introduction of artificial intelligence (AI) into my creative process that Marek entered a true phase of “rebirth.” AI brought an entirely new level of interpretation and transformation to Marek’s form. No longer limited by static designs, AI enabled continuous reinterpretation. Marek’s silhouette, features, and essence evolved endlessly, each “rebirth” revealing a new version of him that felt both familiar and completely novel. With AI, Marek became a being who defied closure, constantly unfolding, and remaining in motion—a character who embodied a journey with no definitive end.
Working with AI on Marek was not merely about producing images; it led me to a deeper reflection on the nature of creativity. Can a machine truly be creative? Or is it simply a tool? In my collaboration with AI, I deliberately allowed it to make “mistakes” without correcting them. I was curious to see where these errors would lead and found that they often revealed unexpected creative potential. It was as if AI, with its own internal logic, began developing its unique form of creativity, distinct from my own but harmoniously complementary.
One of the most pivotal pieces in this phase of the Marek series is Aome. Aome is heavily inspired by the daguerreotype, a 19th-century photographic process that produced a single, unique image. This method fascinated me, especially in our era where digital reproductions have made uniqueness rare. The daguerreotype’s inability to be reproduced—the image existed as one-of-a-kind—seemed a poignant counterpoint to digital art’s reproducibility.
In Aome, I guided the AI to recreate the aesthetic of the daguerreotype. I incorporated graphite, a medium with its own reflective qualities, to give the piece a unique, mirror-like finish that echoed the reflective surfaces of daguerreotypes. This blending of digital AI and analog graphite created a compelling tension between the reproducible and the unique. The AI generated many versions of Aome, yet only one image became the “true” piece, chosen as the singular representation of Marek’s essence. This choice was mine alone, yet the AI’s participation was essential in bringing Aome to life.
In my work with AI, I questioned whether a machine could truly be creative or if creativity was inherently human. While AI might not be “creative” in the conventional sense, it enabled a fascinating, dynamic dialogue. By allowing AI to make “mistakes,” I entered a process where discovery and evolution happened naturally. It felt as though I was extending a hand to the AI, allowing it to lead me into new, previously unseen spaces.
This collaboration with AI mirrors the dynamics of a human relationship: to create something beyond oneself, one must yield control and trust the other. This process, this relinquishing of total control, has profoundly influenced my work. It is about more than creating a finished product; it is about embracing the process itself—navigating the space between control and surrender, between human intuition and machine logic.
My work with Marek is deeply rooted in metaphysical exploration, focusing on what lies beyond the visible. I am not aiming to convey a religious or spiritual message; rather, I am interested in exploring the metaphysical realm—those invisible spaces that cannot be easily defined or rationalized but are felt nonetheless. This “dark matter” is the origin of art, a realm of dreams and visions where art waits to take form.
This unseen dimension is where my work on Marek begins. Marek is, for me, a symbol of this metaphysical layer—a bridge between the visible and invisible. His incomplete form, his ongoing search for meaning and healing, serves as a reflection of our human experience. In Marek, I aim to make the unseen seen, without fully explaining it, leaving room for interpretation and mystery.
Another critical aspect of the Marek series is the relationship between the artwork and the viewer. I believe that art is only complete when it interacts with the viewer. Marcel Duchamp once said that art is 50% the artist and 50% the viewer, a philosophy that has deeply influenced my work. I view the viewer as an active participant, not a passive observer. They are essential to completing the artwork, just as an “electron” completes an atom by orbiting its nucleus.
In the Marek series, the viewer acts as this “electron.” Marek is inherently incomplete, yet through the viewer’s interpretation and engagement, he becomes whole. This dynamic interplay between imperfection and completion is at the heart of my work. It is this dialogue between artist, artwork, and viewer that brings Marek to life, imbuing him with meaning that extends beyond my original intent.
For me, the creation of art is as much about the process as it is about the final product. Art is not a static object but an evolving dialogue—a conversation that includes the artist, the viewer, the artwork, and, now, AI. The goal is to embrace imperfection, to allow space for error and discovery, and to remain open to new insights.
In the Marek series, this philosophy is embodied in the character of Marek himself. He is never finished; he is always moving, always seeking. This continuous evolution is what makes Marek alive. In his imperfection lies his humanity, and in his ongoing search lies a mirror to our own lives.
In essence, the Marek series is a journey through visible and invisible spaces, through digital and analog realms, and through the intersection of human and machine creativity. Marek embodies the imperfection of the human experience, the constant search for meaning, and the beauty that lies in incompletion. As both artist and viewer engage with Marek, they become part of his ongoing journey, adding their own meanings and interpretations, and making Marek a constantly evolving symbol of the metaphysical quest for understanding.
The Marek series is not an end but a beginning—a testament to the unending nature of the artistic process and the powerful connections that arise when we let go of control and allow creativity to emerge in the interplay of human intuition, AI innovation, and the viewer’s perspective.
Text: Stefan Wimmreuter / 2024
Im Jahr 2014 begann die Figur Marek als eine Serie von Acrylporträts, in denen die Augen bewusst fehlten. Die Augen, oft als „Fenster zur Seele“ betrachtet, waren in jedem Bild auffällig ausgelassen, was Marek eine gewisse Rätselhaftigkeit und Mehrdeutigkeit verlieh. Diese Entscheidung war kein Zufall. Ich wollte das Gefühl der Entfremdung und Leere einfangen, das ich damals in meiner Umgebung spürte. Die Menschen wirkten für mich wie leere Hüllen, getrennt von einem tieferen Kontakt zu sich selbst und anderen. Marek spiegelte diesen Zustand wider – eine Figur ohne die üblichen Lebenszeichen, in einem Zwischenraum zwischen Anwesenheit und Abwesenheit.
Aber Marek war mehr als nur ein Symbol der Verzweiflung oder Isolation. Sein Fehlen der Augen deutete auf etwas Tieferes hin: eine Suche nach Sinn, eine Reise zur inneren Heilung und eine Ahnung einer Schönheit, die jenseits des Sichtbaren liegt. Von Anfang an war Marek nie als fertige, „perfekte“ Schöpfung gedacht. Seine asymmetrischen Merkmale, die kubistische Nase und der kubistische Mund, und natürlich die leeren Augenhöhlen machten ihn zu einer Metapher für die menschliche Unvollkommenheit. Marek war ein unvollendetes Wesen, eine Figur auf einer ständigen Reise, die keinen endgültigen Abschluss findet. Auf diese Weise wurde er zu einem Sinnbild des menschlichen Zustands, geprägt von Unvollständigkeit und fortlaufender Entwicklung.
Im Jahr 2021, während der COVID-19-Pandemie, als die Welt sich an das Leben in Isolation anpasste, fühlte ich mich gedrängt, zu Marek zurückzukehren. Die Isolation und der Rückzug aus der Außenwelt brachten mich dazu, meine künstlerische Praxis zu überdenken und digitale Werkzeuge stärker zu nutzen. Mithilfe von 3D-Programmen begann ich, Marek in einem virtuellen Raum zu gestalten, wodurch seine Form eine neue, digitale Dimension erhielt. In dieser 3D-Umgebung entstand eine Welt der Freiheit, in der physische Grenzen nicht mehr existierten. In diesem „gottähnlichen“ Raum war alles möglich, und doch fühlte sich diese Freiheit oft paradoxerweise leer an. In der grenzenlosen digitalen Umgebung spiegelte Mareks fehlende Körperlichkeit das umfassendere Gefühl von Isolation und Distanz wider, das den Alltag durchzog.
Durch das 3D-Rendering nahm Marek eine neue Gestalt an. Verschiedene digitale Versionen entstanden unter unterschiedlichen Licht- und Perspektiveinstellungen, jede Iteration fügte eine neue Facette zu seiner Reise hinzu. Doch diese digitalen Schöpfungen waren eher wie Stationen in Mareks Leben und weniger transformative Wiedergeburten. Sie waren Etappen auf seinem Weg, aber sie fühlten sich nicht wie tiefgreifende Veränderungen an. Diese Phase verdeutlichte die Spannung zwischen analoger und digitaler Welt, aber es blieb nur eine Phase, ein temporärer Ort, an dem Marek wachsen, aber sich noch nicht vollständig verwandeln konnte.
Erst durch den Einsatz von künstlicher Intelligenz (KI) trat Marek in eine Phase der „Wiedergeburt“ ein. Die KI brachte eine ganz neue Ebene der Interpretation und Transformation in meine Arbeit mit Marek. Nicht länger auf statische Entwürfe beschränkt, ermöglichte die KI eine kontinuierliche Neugestaltung. Mareks Silhouette, seine Merkmale und sein Wesen entwickelten sich unaufhörlich weiter, jede „Wiedergeburt“ offenbarte eine neue Version von ihm, die vertraut und doch völlig neu war. Mit der KI wurde Marek zu einem Wesen, das sich der Vollendung widersetzte und in ständiger Bewegung blieb – eine Figur, die eine Reise ohne endgültiges Ziel verkörperte.
Die Arbeit mit der KI bei Marek bedeutete mehr als nur die Erzeugung von Bildern; sie führte zu einer tiefen philosophischen Reflexion über die Natur der Kreativität. Kann eine Maschine wirklich kreativ sein? Oder ist sie nur ein Werkzeug? In meiner Zusammenarbeit mit der KI ließ ich bewusst zu, dass sie „Fehler“ machte, ohne diese zu korrigieren. Ich war neugierig, wohin diese „Fehler“ führen würden und entdeckte, dass sie oft unerwartetes kreatives Potenzial aufwiesen. Es war, als ob die KI mit ihrer eigenen internen Logik begann, eine eigene Art von Kreativität zu entwickeln, die sich meiner Kontrolle entzog, aber dennoch harmonisch ergänzt wurde.
Ein Werk, das diese Zusammenarbeit mit der KI besonders gut symbolisiert, ist Aome. Aome ist stark von der Daguerreotypie inspiriert, einem fotografischen Prozess aus dem 19. Jahrhundert, der ein einziges, einzigartiges Bild erzeugte. Diese Methode faszinierte mich besonders in einer Zeit, in der digitale Reproduktionen Einzigartigkeit selten machen. Die Unwiederholbarkeit der Daguerreotypie – das Bild existierte nur als Unikat – schien mir ein bedeutungsvolles Gegenstück zur Reproduzierbarkeit digitaler Kunst zu sein.
In Aome ließ ich die KI die Ästhetik der Daguerreotypie nachahmen. Ich verwendete Graphit, ein Medium mit eigenen reflektierenden Eigenschaften, um dem Werk eine einzigartige, spiegelähnliche Oberfläche zu geben, die an die spiegelnden Oberflächen der Daguerreotypien erinnert. Diese Kombination aus digitaler KI und analogem Graphit schuf eine spannende Spannung zwischen dem Reproduzierbaren und dem Einzigartigen. Die KI erzeugte viele Varianten von Aome, doch am Ende gab es nur eine Version, die ich als das „wahre“ Werk betrachtete. Diese Entscheidung – welche Version ich auswählte – lag allein bei mir, doch die Rolle der KI war entscheidend für die Erschaffung von Aome.
In meiner Arbeit mit der KI habe ich mich oft gefragt: Kann eine Maschine kreativ sein? Oder ist Kreativität etwas, das ausschließlich dem Menschen vorbehalten ist? Was ich herausfand, ist, dass die KI zwar nicht „kreativ“ im traditionellen Sinne ist, aber sie ermöglicht einen faszinierenden, dynamischen Dialog. Indem ich der KI erlaubte, „Fehler“ zu machen, trat ich in einen Prozess ein, bei dem Entdeckung und Evolution auf natürliche Weise stattfanden. Es fühlte sich an, als würde ich der KI die Hand reichen und sie mich in neue, bisher ungesehene Räume führen lassen.
Diese Zusammenarbeit mit der KI ähnelt den Dynamiken einer menschlichen Beziehung: Um etwas zu erschaffen, das über einen selbst hinausgeht, muss man Kontrolle abgeben und dem Partner vertrauen. Dieser Prozess, dieses Loslassen der totalen Kontrolle, hat meine Arbeit tiefgreifend beeinflusst. Es geht nicht nur darum, ein fertiges Werk zu schaffen, sondern auch darum, den Schaffensprozess selbst zu erkunden – den Raum zwischen Kontrolle und Loslassen, zwischen menschlicher Intuition und maschineller Logik.
In meiner Kunst ist es mir wichtig zu betonen, dass ich keine religiösen oder spirituellen Räume betreten oder beeinflussen möchte. Meine Arbeit konzentriert sich auf das Metaphysische – auf das Unsichtbare, das jenseits des Greifbaren liegt. Ich glaube, dass es in der Kunst eine Ebene gibt, die nicht rational oder materiell erklärbar ist, die aber dennoch real ist. Diese Ebene ist das, was ich als „dunkle Materie“ bezeichne – der Raum der Träume, der Visionen, der Intuitionen. Es ist der Raum, in dem Kunst entsteht, bevor sie materialisiert wird.
Dieser unsichtbare Raum ist der Ort, an dem meine Arbeit an Marek beginnt. Marek ist für mich ein Symbol dieser metaphysischen Ebene – eine Brücke zwischen dem Sichtbaren und dem Unsichtbaren. Seine unvollkommene Form, seine fortwährende Suche nach Sinn und Heilung, ist eine Reflexion unserer menschlichen Erfahrung. Mit Marek versuche ich, das Unsichtbare sichtbar zu machen, ohne es zu sehr festzulegen oder zu erklären. Kunst hat für mich die Kraft, das Unsichtbare zu berühren, ohne es zu definieren. Es geht darum, Raum für Interpretation zu lassen – sowohl für mich als Künstler als auch für den Betrachter.
Ein weiterer wichtiger Aspekt der Marek-Serie ist die Beziehung zwischen dem Kunstwerk und dem Betrachter. Ich glaube, dass Kunst erst durch die Interaktion mit dem Betrachter vollständig wird. Marcel Duchamp sagte einmal, dass Kunst zu 50 Prozent aus dem Künstler und zu 50 Prozent aus dem Betrachter besteht. Diese Aussage hat mich tief beeinflusst. Ich sehe den Betrachter als aktiven Teilnehmer an meiner Kunst – er ist nicht nur ein passiver Beobachter, sondern jemand, der das Werk vervollständigt.
In meiner Arbeit mit Marek wird der Betrachter zu einem „Elektron“, das um den Kern von Marek kreist. Marek selbst ist unvollständig, aber durch die Interaktion mit dem Betrachter erhält er seine Vollständigkeit. Es ist diese Spannung zwischen Unvollkommenheit und Vervollständigung, die das Herzstück meiner Arbeit bildet. Ich möchte, dass der Betrachter das Werk mit seiner eigenen Interpretation und Erfahrung füllt und es dadurch lebendig macht.
In meiner künstlerischen Praxis geht es nicht nur darum, ein fertiges Werk zu schaffen, sondern auch darum, den Prozess des Schaffens zu erkunden. Kunst ist für mich kein statisches Produkt, sondern ein fortlaufender Dialog – ein Dialog zwischen dem Künstler, dem Werk, dem Betrachter und in meiner aktuellen Arbeit auch der KI. Es geht darum, Raum für Fehler, für Unvollkommenheit und für neue Entdeckungen zu lassen.
Dieser Prozess spiegelt sich in meiner Arbeit mit Marek wider. Marek ist nie fertig, er ist immer in Bewegung, immer auf der Suche. Diese ständige Veränderung und Erneuerung ist es, was Marek lebendig macht. Und es ist diese Unvollkommenheit, die ihn menschlich macht.
Text: Stefan Wimmreuter / 2024
Die Marek-Serie von Stefan Wimmreuter verbindet traditionelle Malerei, digitale Bildwelten, 3D-Modellierung und künstliche Intelligenz zu einer fortlaufenden Untersuchung von Identität, Unvollkommenheit und metaphysischen Räumen. Marek erscheint als unvollständige, sich ständig verändernde Figur, die den menschlichen Zustand des Suchens, Zweifelns und inneren Wandels widerspiegelt.
Besonders prägend sind Mareks fehlende Augen, die als Symbol für Entfremdung, Introspektion und die Abwesenheit traditioneller „Sehzeichen“ dienen. Die Serie zeigt Übergänge zwischen analogen und digitalen Welten, zwischen realen Körpern und virtuellen Formen. Mit dem Einsatz von KI entsteht ein kreativer Dialog zwischen Mensch und Maschine, in dem neue Varianten und Interpretationen von Marek entstehen.
Dieser Abschnitt bietet zusätzliche Informationen über Ursprung, Entwicklung und konzeptionelle Tiefe der Marek-Serie sowie über Wimmreuters künstlerischen Ansatz, metaphysische und unsichtbare Räume sichtbar zu machen.
The Marek Series by contemporary artist Stefan Wimmreuter combines traditional painting, digital environments, 3D modeling, and artificial intelligence to explore identity, imperfection, and metaphysical space. Marek appears as an incomplete and ever-evolving figure who mirrors the human condition of searching, questioning, and inner transformation.
Marek’s missing eyes symbolize detachment, introspection, and the absence of traditional visual markers. The series moves between analog and digital realms, between physical bodies and virtual reinterpretations. Through the use of AI, a creative dialogue emerges between artist and machine, generating new versions and perspectives on Marek’s form.
This additional section provides further information about the conceptual origins, evolution, and artistic depth of the Marek Series, as well as Wimmreuter’s exploration of metaphysical and invisible spaces.
